Erstmals ist mit Gerold Miller ein zeitgenössischer Künstler zu einer Intervention ins Bröhan Museum eingeladen. Der Künstler selbst ist dabei aufgefordert, einen Dialog aus seinen Werken und den Sammlungsobjekten des Museums zu versuchen. Gerold Miller (*1961) ist einer der weltweit erfolgreichsten ungegenständlich arbeitenden Künstler. In seinen stark farbigen Werken entwickelt er die Themen der Konkreten Kunst und des Hard Edge weiter. Seine Werke kreisen um die Begriffe Malerei und Skulptur. Die makellosen und absolut homogenen Farbflächen in meist leuchtenden Farben kombiniert er mit ebenso perfekten dreidimensionalen Körpern aus Aluminium. Seine Kunstwerke sind Kinder der hochtechnisierten industriellen Welt, die in der Sammlung des Bröhan Museums auf die Dingwelt zu Beginn des Industriezeitalters treffen – ein Dialog von hoher visueller Intensität.

Die Eröffnung der Ausstellung findet am 19. Oktober 2024 ab 18 Uhr statt.

Bröhan Museum Website

Das Quadrat steht im Zentrum der konkreten Kunst. Im Unterschied zu anderen geometrischen Formen wie etwa dem Kreis verweist es nicht auf wiedererkennbare Objekte in der Natur, sondern zeigt sich als reine Konstruktion aus stets vier gleichen Seiten und vier gleichen Winkeln. Durch seine Einfachheit, Klarheit und Ruhe ist das Quadrat ebenso zeitlos wie faszinierend.
Die französische Malerin Aurélie Nemours (1910–2005) ist während der Arbeit an ihrem für die Reutlinger Wandel-Hallen angefertigten Hauptwerk Le long chemin 1989 zu dem Schluss gekommen: „Das Quadrat muss den Raum beherrschen!“
Nun könnte man fragen: Tut es dies nicht bereits seit Langem? Schließlich sind Quadrate in unserer Alltagswelt überall präsent: Plätze, Böden und Wände sind quadratisch gepflastert oder gekachelt, ganze Städte sind rasterförmig angelegt und der Quadratmeter ist das grundlegende Maß für die Vermessung einer Fläche. Quadrate mit abgerundeten Ecken sehen wir täglich bei Verkehrs- und Hinweisschildern, bei unzähligen Logos und den Icons von Apps, bei Kachel-Wänden auf Instagram oder bei QR-Codes. Auch das Pixel als kleinstes digitales Element eines Bildes stellen wir uns oft als Quadrat vor.

Die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Quadrat ist nun in einer großen Sammlungsausstellung zu erleben. Neben einem Querschnitt durch das Werk Aurélie Nemours‘, die sich wie kaum ein*e andere Künstler*in auf das Quadrat konzentriert hat, werden Arbeiten von 17 weiteren Künstler*innen aus den Jahren 1939 bis 2003 präsentiert. Ihre Bandbreite reicht von den berühmten Homages to the Square des Bauhaus-Lehrers Josef Albers über die einflussreichen Gestaltungen des Corporate Design-Pioniers Anton Stankowski oder des Multitalents Max Bill bis hin zu jüngeren Positionen wie Kathrin Kaps. Dabei treten künstlerische Verwandtschaften zwischen den einzelnen Positionen hervor, die sich in ihrer Arbeit gegenseitig inspiriert und teilweise auch kooperiert haben.
Die Techniken der ausgestellten Arbeiten reichen von Öl- und Acrylmalereien über Plastiken aus Acrylglas oder Holz sowie Reliefs aus Papier bis hin zur Installation aus Stahlbeton sowie Mixed Media Collagen. Das scheinbar starre Quadrat setzt sich dabei in Bewegung: Es zerfällt in Dreiecke, Rechtecke und Linien oder tritt aus dem Raum heraus. Es fügt sich zu Rastern, Würfeln und Türmen oder scheint sich in Abfolgen aus Gittern, Strichen und kleinsten Teilchen aufzulösen. Es kann durch ein Oval hindurch betrachtet werden, als Raute auf seiner Spitze balancieren oder sich scheinbar im Kreis drehen. Reduziert auf die Geometrie präsentiert es sich in Schwarz und Weiß, dann wieder lädt es zur Wahrnehmung knalliger Farbkontraste oder feinster Nuancen ein. In dieser Ausstellung beherrscht das Quadrat wahrhaftig den Raum.

20 years of dialogue – 20 years, a celebration

With contributions by Nevin Aladag, Hicham Berrada, Phoebe Boswell, Jenny Brosinski, Axel Geis, Karl Haendel, Gregor Hildebrandt, John McAllister, Olaf Metzel, Gerold Miller, Mary Ramsden, David Renggli, Anastasia Samoylova, Jan-Ole Schiemann, Britta Thie, Wawrzyniec Tokarski, Marion Verboom, Sophie von Hellermann and Thomas Wachholz.

With commentaries by Michael Berryhill, Jurriaan Benschop, Walter Dahn, Madeleine Frey, Irène Hug, Patricia Köstring, Dietmar Lutz, Edie Monetti, Tom Morton, Alya Sebti, Océane Pilastre, Tobias Rehberger, Michael Sailstorfer, Kelly Tippsman, Monica Uszerowicz, Fritzson Wentrup

Lichtenstein and Warhol, Rothko and Richter in Burgdorf – the Museum Franz Gertsch is putting on an expansive exhibition with around 50 top pieces by more than 30 artists from the collection of the Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, Denmark. The paintings, works on paper, prints, and photographs will be on display in all the museum’s rooms, aside from the Cabinet.

This time, we will not be showing Franz Gertsch’s work in separate rooms in a second exhibition. Instead, the Louisiana collection will be interspersed with about 25 paintings, woodcuts, and aquarelles by Gertsch, thereby enabling viewers to see our house artist reflected in the art of his time. Movements such as Pop Art, Abstract Expressionism, Hard-Edge Painting, Shaped Canvas and Colour Field Painting, as well as figures and landscapes in contemporary painting and photography, but also significant solo positions feature in this presentation.

The exhibition was curated by Anna Wesle and will be accompanied by a comprehensive German and English catalogue with art historically informed contributions by several authors. The catalogue will be published by Hatje Cantz. Visitors can also look forward to a diverse supporting and educational programme.

The 2024 exhibition season of Dep Art Out in Ceglie Messapica, the summer venue of Dep Art Gallery in Milan, opens with a show by German artist Gerold Miller. On Friday, July 12, 2024, from 6 PM to 9 PM, a special evening event will take place, during which a work created specifically and locally for the trullo spaces of Dep Art Out will be presented. The evening will feature a presentation by art critic Gianluca Ranzi.

Gerold Miller has created a work that ties his art to the land of Puglia. For its creation, a performance will take place a few days before the official exhibition: a tractor, symbolizing agricultural work and the fertility of the land, will ideally sow in a new substratum, that of art. Miller presents a new version of his „scratched surfaces,“ which he has created only a few times in his career. The marks left by dragging the work on the road and on the rich soil, ready to germinate, remain indelibly „impressed“ on the artwork.

The act of dragging etches the surface, much like our journey marks and enriches us, leaving indelible imprints in our memory. The performance will encapsulate some of the main themes of the German artist’s work: the dialogue his structures establish with the environment and the mysterious, one might say magical, power that color holds in his art. As a metaphor for life, Gerold Miller’s surfaces, usually as shiny as mirrors and ready to reflect every image (often „too fast and fleeting,“ says the artist), are marked by their passage along the road.

This is the first time Miller uses a colored work for this process. Orange like the color of the sunset, of the sunburned earth, but also the color of that tractor, an old Fiat, which is also a memory. Miller, who grew up in a farming family, reconnects with his childhood in this project, with a pure gaze that knows how to combine nature, art, and the environment.

Tracce in Puglia

Casado Santapau is pleased to open the 4th solo exhibition of Berlin artist Gerold Miller at the gallery on 11 April 2024.

Gerold Miller (*1961) has been exploring questions of imagery, sculpture and space in his artistic work for 35 years. The setting of art as place and presence plays an important role in the artist’s oeuvre. It is about the viewer’s perspective on themselves and how they position themselves in space. The fusion of art object and viewer becomes an ever new process and makes simultaneity an essential factor. With his oeuvre, the artist succeeds in uniting opposing parameters such as space and time, stillness and movement, subject and object in one work of art.

A similar interpretation of this setting can also be found in the work „The Studio“ by Gustave Courbet (1855), which occupied Gerold Miller from an early age: The relationship between private and public, reality and art, and the studio as a place of intellectual encounters and dialogue described in the painting remain essential elements of the artist’s work to this day.

With this presentation, Miller is consciously connecting to his last exhibition at Casado Santapau, in which he exhibited his works in transport crates as if in a studio. In the current exhibition, the sculptures (Verstärker) are also shown in this way alongside the instant vision. A new group of works from the set series will also be presented for the first time in this context.

In this exhibition, various minimalist-conceptual approaches to the theme of image-sculpture-space come together, which are broken up by the repetition, by the staging of the works in the gallery and by the moderate dynamics of the new set. The three different groups of works bring together various decentralised levels of spatial experience and create a field of tension in which they can be read both as a whole and separately.

Gerold Miller’s work is represented in important collections and museums worldwide, such as the Nationalgalerie Berlin, Hamburger Kunsthalle, Lehnbachhaus Munich, New Orleans Museum of Art, Museo di Arte Moderna Bologna, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek.

Gerold Miller lives and works in Berlin and Pistoia/ Italy.

Ob Philosophie, Alchemie, Religion, Esoterik, Naturwissenschaft oder Kunst: Seit Jahrhunderten beschäftigen sich unterschiedlichste Disziplinen mit der Lehre der vier Elemente. Die Idee, dass die Erde bzw. das gesamte Universum aus Feuer, Wasser, Erde und Luft zusammengesetzt ist, entsteht bereits in der Antike. Nach Aristoteles existiert zudem ein fünftes Element, das er Äther beziehungsweise Quintessenz nennt und als nichtweltlichen Stoff bezeichnet. Dennoch setzt sich die Bezeichnung der Vier-Elemente-Lehre durch, die in diesen ein Urprinzip mit transformativen Kräften erkennt, das gleichzeitig dynamisch und immer gültig ist. Diese Idee bleibt ein bedeutender Orientierungspunkt allen Wissens bis zur Aufklärung. Mit dem Aufkommen neuer Entdeckungen und Erkenntnissen in den Naturwissenschaften, im Besondern in der Chemie, wird der Begriff Element umgedeutet. Darunter versteht man nun Stoffe, die nicht weiter trennbar sind; das Periodensystem ordnet diese.

Aus heutiger Sicht scheint die Erklärung der Welt mit der Vier-Elemente-Lehre veraltet, doch die Fragen die damals gestellt wurden bleiben immer noch ungelöst: Wie entstanden Erde und Universum? Und gibt es ein Prinzip, das alles bedingt? Was passiert nach dem Tod? Diese existenziellen Fragen sind sicherlich ein Grund für die weiterhin bestehende Faszination, die mit den vier Elementen verbunden ist. So treibt die Suche nach der Quintessenz der Dinge Künstler*innen im gesamten 20. Jahrhundert an. Ihr Interesse gilt jedoch ebenfalls der Darstellbarkeit von Nichtsichtbarem wie Luft, Atmung oder Licht sowie der Faszination an Naturphänomenen überhaupt.

Die Ausstellung zeichnet in fünf Kapiteln ein facettenreiches Bild der Auseinandersetzung mit den Elementen im 20. Jahrhundert. Präsentiert werden u.a. Werke von Joseph Beuys, Marcelle Cahn, Robert Delaunay, Max Ernst, Kazuo Katase, Frantisek Kupka, Alicja Kwade, Roy Lichtenstein, El Lissitzky, Gerold Miller, Louise Nevelson, Otto Piene, Jackson Pollock, Ljubow Popowa, Thomas Ruff und Günther Uecker.

Die Walter Storms Galerie zeigt eine “Hommage à Günter Fruhtrunk“ mit Werken von 18 international renommierten Künstlern, die zum 100. Jubiläum des Künstlers neu geschaffen wurden oder aus Sammlungen stammen. Manche der Künstler haben Fruhtrunk persönlich gekannt, andere folgten ihm als Akademielehrer oder nehmen ihn als Inspiration für ihre eigene Arbeit in Anspruch.

Steven Aalders, Jean-Marc Bustamante, Dadamaino, Ulrich Erben, Beverly Fishman, Günther Förg, Rupprecht Geiger, Raimund Girke, Giorgio Griffa, Gregor Hildebrandt, Gerhard Merz, Gerold Miller, Gary Petersen, Thomas Scheibitz, Sean Scully, Turi Simeti, Helmut Sturm, Günther Uecker.

Opening: Friday, 1st September 2023, 6-9 PM

Alles Routine, nur eine Formalität, nichts Besonderes? „Reine Formsache!“ – so lautet der Titel der kommenden Ausstellung mit Werken der konstruktiv-konkreten Kunst aus der Sammlung Siegfried und Jutta Weishaupt.
Zu sehen sind künstlerische Arbeiten, die sich allein über Form, Farbe und Fläche definieren, aber dabei alles andere als „reine Formsache“ sind. Sie beruhen auf wissenschaftlichem Denken oder fordern die Wahrnehmung des Betrachtenden heraus. Neben Arbeiten von Vertreter*innen der Konkreten Kunst wie Max Bill, Verena Loewensberg und Richard Paul Lohse werden Werke von Künstler*innen gezeigt, die mithilfe mathematisch-geometrischer Formen irritierende und überraschende optische Effekte erzeugen.

Gerold Miller creates minimal and abstract visual experiences investigating the fundamental elements of painting and sculpture in an attempt to pinpoint where sculptural space ends and the painted image begins. This project sees him oscillate between image, relief, sculpture, and architecture, all radically (and precisely) reduced to a composition of colour, line, shape and form.

For his debut exhibition with Starkwhite, Miller will present the largest display of his Monoform series to date. A group of artworks made of horizontally hung beams that talk directly to the gallery’s architecture, whilst exploring the concept of an open structure. Alongside these is a group of the artists “paintings” comprising his notorious Sets, Instant Vision and Total Object series. These works are made with aluminium or stainless steel substrates, coated in either matte or glossy lacquer to present finely shaded gradients and bold monochromatic tones.

Opening: 29th April, 18 – 20 h

In his first solo exhibition at Wentrup, Berlin-based artist Gerold Miller shows new works from various work series.

The enactment of art as place and reality plays a vital role in the artist’s oeuvre. It is about the viewer’s perspective on himself and how he locates himself in space in relation to it. The fusing of artwork and viewer becomes an ever-new process and makes simultaneity an essential factor. Gerold Miller succeeds in uniting space and time, standstill and movement, viewer and work in one work of art.

The wall works in the show, made of high-quality lacquer and metal, are limited to black and a few contrasting colors. They represent the consistency with which Gerold Miller formulates a radically reduced concept of pictoriality, approaching the image from the greatest possible distance so that new images emerge from the systematic reduction of creative means.

The new „Verstärker“ sculptures in Rosso Venezia marble are made in a traditional workshop in Carrara and describe a more classical understanding of sculpture. They visualize the basic conditions of sculpture: material, mass, and dimension. Their characteristic formal clarity opens them to the infinity of space. At the same time, their different material textures give the sculptures a strong physical and sensual presence.

The artist no longer offers ‚painting‘ or ’sculpture‘ in the traditional sense, but instead the premises of artistic work: sculptural space to be shaped and projection surfaces for images. Thus Gerold Miller’s works experience a conceptual-processual expansion, in which the viewer himself must do the actual image-finding.

Mit der Serie Verstärker realisiert Gerold Miller seit 2016 freistehende Skulpturen. Diese fest auf dem Boden ruhenden Körper sind auf ihre Höhe, Breite und Tiefe reduziert und visualisieren so die Grundbedingungen von Skulptur: Material, Masse und Dimension. Die charakteristische formale Klarheit öffnet sie der Unendlichkeit des Raums, lotet dessen imaginären Grenzen aus. Ihre Eindeutigkeit, ihre variierenden Dimensionen und materiellen Beschaffenheiten verleihen den Verstärkern eine ausgeprägte körperliche wie auch sinnliche Präsenz. Die reflektierenden Körper der aus Metall hergestellten Skulpturen lassen überraschende optische Eindrücke entstehen, in denen sich Boden, Decke, gegenüberliegende Wände oder auch Außenräume auf irritierende Weise miteinander verbinden und den Raum  nahezu labyrinthisch neu ordnen. Sie involvieren den zufälligen Betrachter über ihre spiegelnden Oberflächen in diesen Vorgang und lassen ihn dabei für einen flüchtigen Moment zum Akteur werden.

Die große Ausstellung something new, something old, something desired stellt die bedeutende Sammlung der Gegenwartskunst in einen spannenden Dialog mit jungen Neuzugängen. Dabei widmet sie sich den aktuellen und virulenten Themen unserer Zeit: Fragen nach Verständigung und Kommunikation, Abschottung und Abgrenzung, Machtausübung und Protest, Utopie und Struktur. Auch nimmt sie (virtuelle) Welten und Wirklichkeiten anhand von Architekturentwürfen in den Blick, thematisiert das Spannungsfeld von Form und Auflösung, und zeigt Potentiale der Vernetzung in Stoff und Sprache.

Beteiligte Künstler*innen: Jan Albers, Fernando de Brito, Günter Brus, Nina Canell, Robert Cottingham, Stephen Craig, Jose Dávila, Edith Dekyndt, Thomas Demand, Simon Denny, Cordula Ditz, Simon Fujiwara, Seiichi Furuya, Zvi Goldstein, Anna Grath, Christian Haake, Raymond Hains, Almut Heise, David Hockney, Karl Horst Hödicke, Annika Kahrs, Annette Kelm, Jürgen Klauke, Hans-Jürgen Kleinhammes  Bernd Koberling, Jan Köchermann, Jannis Kounellis, Jens Lausen, Jean Leppien, Almut Linde, Axel Loytved, Paul McCarthy & Mike Kelley, Annette Messager, Gerold Miller, Simon Modersohn, Robert Morris, Bruce Nauman, Cady Noland, Sigmar Polke, Tobias Putrih, Hannah Rath, Daniel Richter, Gerhard Richter, Grit Richter, Thomas Schütte, Richard Serra, Sara Sizer, Andreas Slominski, Paul Spengemann, Pia Stadtbäumer, Paul Thek, Wolfgang Tillmans, Philippe Vandenberg, Tilman Walther

Reduzierte Formensprache, die Verwendung industriell gefertigter Materialien und ein hohes Maß an Oberflächenästhetik sind die Kennzeichen der Minimal Art, die Anfang der 1960er Jahre in den USA entstand. Die Ausstellung im Bucerius Kunst Forum widmet sich erstmals der sinnlichen Seite des Minimalismus. Die veränderte Wahrnehmung durch die Bewegung der Betrachter:innen im Raum, unterschiedliche Lichtstimmungen und raumgreifende Objekte erweisen die Minimal Art als eine Kunst, die für alle fühl- und erfahrbar ist.

Die Ausstellung zeigt Werke von Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Walter De Maria, Imi Knoebel, Charlotte Posenenske, Gerold Miller, Frank Gerritz, Jeppe Hein und weiteren Künstlerinnen und Künstlern aus bedeutenden deutschen Museen und Privatsammlungen wie der Seibt Collection.

mit Gregor Hildebrandt, Brigitte Kowanz, Gerold Miller, Heimo Zobernig

Avlskarl Gallery proudly presents “Schnee fällt hinterm Berge” (“Snow falls behind the mountains”), a group show curated by Gregor Hildebrandt. The show will feature works in shades of white by a wide range of international artists:

Johannes Albers
Olivia Berckemeyer
Matthias Bitzer
Lynda Benglis
John Bock
Björn Dahlem
Amélie Esterházy
Andi Fischer
Bernard Frize
Gabriel de la Mora
Axel Geis
Raimund Girke
Gregor Hildebrandt
Leiko Ikemura
Caro Jost
Manuel Kirsch
Jürgen Krause
Alicja Kwade
Florian Meisenberg
Isa Melsheimer
Olaf Metzel
Gerold Miller
Manfred Pernice
Gerd Rohling
Anselm Reyle
Robert Ryman
Michael Sailstorfer
Karin Sander
Erik Schmidt
Chris Succo
Milen Till
John Torreano
Jorinde Voigt
Wiebke Maria Wachmann
Thomas Zipp

Gregor Hildebrandt on “Schnee fällt hinterm Berge”
“Morten asked if I would be interested in creating a show in his gallery. I was really looking forward to doing this kind of group show with works that are interesting for me. The idea comes from a private collection in my home that I’m running together with my partner. There is this one room, where we also sleep, where we have mostly white works. It started by accident with some paper pieces by Jürgen Krause and Jorinde Voigt. Then, we found out the pieces were mostly white, and I started to collect more white works, like ones by Gabriel De La Mora and a paper piece by Robert Berry. This was the starting point for the show, to create a group show with all white pieces.”

Die Jubiläumsausstellung ›Friendship. Nature. Culture. 44 Jahre Daimler Art Collection‹ blickt auf die Entwicklung einer der bedeutenden internationalen Unternehmenssammlungen zurück. Aus dem Bestand von über 3.000 Kunstwerken der 1977 gegründeten Sammlung wurden etwa 100 Werke von rund 70 Künstlerinnen und Künstlern ausgewählt. Sie nehmen in einem weit gefassten Sinne Beziehungen auf zu zeitgenössischen Phänomenen im Kontext von Freundschaft, Natur und Kultur. Die Motive und Inhalte der Werke aus einem Zeitraum von 100 Jahren bilden Netzwerke und eröffnen Resonanzräume, die das Wechselspiel von Kunst und menschlichem Zusammenleben ausloten.

Preview: 13 September 2021

Gerold Miller zeigt aus seiner Werkreihe Monoform eine ortsspezifische Arbeit, die mit den räumlichen und architektonischen Gegebenheiten des NAK in einen Dialog tritt und diese neu interpretiert. Parallel übereinander an der Wand angeordnete Winkelprofile aus Aluminium eröffnen einen definierten Raum, durch den die Wände des Ausstellungsraums als neue Bildräume reflektiert werden können. Das damit geschaffene Negativ lädt Besucher_innen zur Bildfindung ein. Das Objekt wird zur Begrenzung einer illusorischen und bildnerischen Räumlichkeit.
In seiner künstlerischen Arbeit reizt Gerold Miller die Grenzen von Skulptur, Architektur und Bild aus. Mit seinen Werken schafft er eine Verbindung zwischen plastischem Objekt, Raum und imaginärem Bild und bewegt sich so zwischen Minimalismus und Konzeptkunst. Mit der Werkgruppe Monoform treibt er dieses Interesse weiter voran. Dabei verlässt Miller mit der minimalistischen Skulptur einerseits die bildliche Dimension und nähert sich ihr andererseits über die konzeptuelle Idee wieder

Christine Liebich verhandelt in ihren Skulpturen die Dualismen der heutigen Zeit. Die aus Baustahl gefertigten Arbeiten befragen das Verhältnis von Kultur und Natur. In der Werkreihe Permanent Moment erstmals geradezu naturalistisch arbeitend werden pulverbeschichtete Stahl-Pusteblumen zu Symbolen der Hoffnung, Stärke und Zuversicht. Die Werke der Bildhauerin wirken fragil und bestechen zugleich durch ihre präzise zeichnerische Qualität, Leichtigkeit und Eleganz. Für Liebich sind sie als Zeichnungen im Raum zu verstehen, zeitlose Momentaufnahmen, gleichermaßen flirrend im Licht der Sonne und des Ausstellungsraums.
Die Bildhauerin hat eine einzige raumgreifend-installative Arbeit im Obergeschoss des Kunstvereins geschaffen. Zudem zeigt die Künstlerin im Außenbereich des umgebenden Parks sowie auf dem Dach und damit im öffentlichen Raum zwei weitere großformatige Skulpturen der neuen Serie Permanent Moment. Auch Gerold Miller bespielt den Außenraum mit einer Skulptur aus der Reihe der Verstärker.

Darüber hinaus erscheinen von beiden Künstler*innen neue Editionen zur Ausstellung, die während der Ausstellungsdauer im Kunstverein erhältlich sein werden.

In „Crates“, Gerold Miller shows a retrospective containing his major works from the past five years selected from the series set, IV and TO. For this occasion, he developed a thrilling as much as simple display which was well-received throughout his past presentations. This concept emphasizes the particularly long-stretched architecture of the gallery in which the works will be arranged one after another in their unique crates. These crates will be opened as to present the works they contain. By placing these works, which were initially conceptualized as wall works, in space, they receive a sculptural quality and oscillate between appearing  two-dimensional and three-dimensional. This type of display supports the exhibition’s temporary character and enhances it’s studio charm.

curated by Friederike Nymphius

OPENING: Thursday, 5th of November 2020

Group show at Galería Casado Santapau, Madrid

Artists:
Gerold Miller
Anselm Reyle
Katja Strunz

Piamonte 10
28004 Madrid, Spain
T 915 320 678
info@casadosantapau.com

Solo Show at Galerie Lange + Pult, Auvernier

OPENING: Friday, 23rd of October 2020

Group Show with

Stefan Brüggemann, Brian Eno, Ryan Gander, Mario Garcia Torres, Linnea Goransson, Gonzalo Lebrija

Die Berliner Künstler Gerold Miller und Katja Strunz haben für die Galerie Walter Storms ihr erstes gemeinsames Projekt konzipiert. Beide gehören verschiedenen Generationen an und vertreten herausragende Positionen im geometrisch-abstrakten bzw. minimalistisch-konzeptuellen Bereich. In der Ausstellung lassen sie die wandbezogenen „set“ und Skulpturen aus der Serie „Verstärker“ von Gerold Miller mit den konstruktivistisch wirkenden Faltungen und Skulpturen von Katja Strunz in einen konzentrierte und zugleich spannungsvollen Dialog treten.

OPENING: Friday, September 11th 2020

curated by Alexandra Alexopoulou, Berlin

Schloss Achberg versammelt Positionen von elf international erfolgreichen Berliner Künstlerinnen und Künstlern, die alle aus Oberschwaben stammen: Nándor Angstenberger, Angelika Frommherz, Friedemann Grieshaber, Sabine Groß, Veronike Hinsberg, Thomas Locher, Gerold Miller, Peter Pumpler, Albrecht Schäfer, Andrea Zaumseil und Francis Zeischegg.

Die raumbezogenen Arbeiten werden eigens für Schloss Achberg eingerichtet und treten in einen überraschenden Dialog mit der barocken Architektur. Die Ausstellung wird kuratiert von Prof. Dr. Martin Oswald.

Die Neueinrichtung der Samm­lungs­räume im gesamten Erdgeschoss wagt ein Experiment. Erstmals in der 20-jährigen Geschichte des Neuen Museums werden Kunstwerke und Designobjekte unmittelbar neben­ein­ander ausgestellt.

In dieser gemeinsamen Ausstellung des Neuen Museums und der Neuen Samm­lung, der bewährten Koope­ra­tionspartnerin in Sachen Design, wer­den verschie­dene Felder abgesteckt. Dabei sprengt das Zusammenspiel von Kunst und Design alle kunst­histo­rischen Kategorien, es entsteht ein assoziativer, inspirierender Dialog.

In der Erarbeitung der neuen Samm­lungs­präsentation haben sich neun thema­tische Cluster heraus­gebildet. Sie belegen, dass Kunst und Design sich ganz ähn­lichen Fragestellungen und Herausforderungen gegenübersehen.

Die Räume tragen Titel, die andeuten, welche Leitidee die Auswahl der Werke und Objekte bestimmte. Dabei spannt sich ein weiter Bogen, der von grund­le­genden Dimensionen der Form bis zu verschiedenen Aspekten unserer Zivi­lisation reicht.

Website Neues Museum Nürnberg

Solo show at Cassina Projects, Milan

Openings: Thursday 12th and Saturday 14th of September 2019

Website Cassina Projects

Solo show at Eduardo Secci Contemporary, Florence

Opening: Saturday, 29th of June, 6 pm

The Sydney and Walda Besthoff Sculpture Garden at NOMA

Opening of NOMA’s expansion of the Sculpture Garden: Wednesday, May 15, from 11 am to 6 pm

The Sydney and Walda Besthoff Sculpture Garden occupies approximately five acres in City Park adjacent to the museum. The Sculpture Garden has grown from its inception in 2003 to include 64 sculptures, most of them donated to NOMA by the Sydney and Walda Besthoff Foundation. It is home to over 60 sculptures by renowned artists from around the world.

The six-acre addition features 26 new works by artists working primarily in the 21st century. Artists featured in the expansion include Larry Bell, Tony Cragg, Johan Creten, Katharina Fritsch, Frank Gehry, Jeppe Hein, Georg Herold, Thomas Houseago, Shirazeh Houshiary, Baltasar Lobo, Robert Longo, Gerold Miller, Beverly Pepper, Pedro Reyes, George Rickey, Ursula van Rydingsvard, Sean Scully, Yinka Shonibare, Frank Stella, Hank Willis Thomas, Bernar Venet, Udo Rondinone, Teresita Fernández, Elyn Zimmerman and Fred Wilson.

Group show at Zembla Gallery in Hawick, Scotland with works of Martin Boyce and Gerold Miller

Opening: Saturday, 11th of May

Further details to come soon

Im Frühjahr 2019 eröffnete die Einzelausstellung von
Gerold Miller im neuen Showroom von FS.ART am Bodensee.

Eröffnung der Ausstellung: Samstag, 23.03.2019
Laufzeit: 23.03. bis 04.05.2019

Opening: 22 January 2019 at 17.00

The Gallery of Fine Arts in Ostrava is holding an exhibition of works by German artists taken from the collections of the Adam Gallery, which specializes in Central European art. This special selection, which is being exhibited together for the first time, reflects the Adam Gallery’s acquisitions from the period between 2006 and 2008. One of the defining characteristics of the Adam Gallery is its long-term focus on painting, encompassing all forms of the medium. The exhibition in Ostrava is built around paintings, drawings and objects bearing the distinctively expressive personal signatures of André Butzer, Hans-Peter Thomas AKA Bara, Marcel Hüppauff, Thomas Helbig and Andrew Gilbert, complemented by the prints of Markus Selg. As a balancing counterweight to these expressive works, the exhibition also displays rationally geometric and post-conceptual pieces by Gerold Miller and Thilo Heinzmann, as well as figurative compositions by Andrea Lehmann and Christian Macketanz. 

Exhibition Concept: Richard Adam, Yvona Ferencová
Text: Yvona Ferencová

Sunday, 21th October 2018 – Sunday, 6th October 2019

Kunsthalle Weishaupt

Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1

89073 Ulm, Germany

Mit der Präsentation zahlreicher Neuzugänge zeigt die kunsthalle weishaupt die kontinuierliche Weiterentwicklung ihres Bestandes.

Dem Ursprung der konstruktiv geprägten Sammlung verpflichtet, setzen sich auch in der aktuellen Ausstellung moderne und zeitgenössische Positionen in Malerei und Skulptur mit der Verwendung geometrischen Formenguts sowie ihrem Spiel mit illusionistischen Effekten auseinander.
Als Fortführung der Op-Art und Minimalismus-Bewegung der 60er Jahre verstehen sich beispielsweise die Arbeiten des Schweizer Künstlers Philippe Decrauzat, die mittels eines Rasters dicht angeordneter Farblinien und -kurven mit der Flächigkeit der Leinwandmalerei brechen und damit zu optisch täuschend echt wirkenden dreidimensionalen Gebilden werden.
Mit einem Gitter aus übereinander gelagerten Farbbändern bringt Piero Dorazio, einer der wichtigsten Wegbereiter der Abstraktion in Italien, bereits in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts die Leinwand zum Vibrieren und zelebriert auf virtuose Weise die Licht- und Schattenwirkung von Farbe.
François Morellet, David Nash und Richard Long widmen sich in der Aneignung unterschiedlichster skulpturaler Techniken und Materialien aus Neonröhre, Kohle und Steinen den ursprünglichsten geometrischen Grundformen Kreis, Quadrat und Kreuz.
Die Linie als gestalterisches Element verwendet Bernar Venet in seinen kraftvollen wie gleichermaßen dynamischen Stahl-Skulpturen. Eine fünfteilige Rauminstallation bestehend aus Kreissegmenten, Gerade und Winkeln sowie eine Arbeit aus seiner berühmten Serie der Undetermined Lines verleihen dem Werk Venets eine exponierte Stellung im Rahmen dieser Sammlungspräsentation.
Im Kontrast zur überwiegend abstrakt geprägten Ausstellungskonzeption steht im Zentrum dieser Schau das politisch motivierte Werk des US-amerikanischen Künstlers Robert Longo. In der Tradition der Historienmalerei nehmen seine übergroßen Kohlezeichnungen Bezug auf Themen unserer Zeit: Religionskonflikte, Atomstreit oder Waffengesetze. eine seiner neuesten Arbeiten, monumental in Dimension und von ergreifender Wirkung, befasst sich mit der aktuellen Migrationsbewegung über die Mittelmeerroute. Seine Bilder lenken das Bewusstsein unmittelbar auf die noch ungeklärten globalen Fragestellungen der Gegenwart. Ausgang offen!
Mit diesen und vielen weiteren Künstlern zeigt die Ausstellung einmal mehr die facettenreiche Bandbreite und das hohe Niveau dieser wichtigen deutschen Privatsammlung.

Gerold Miller, Anthony Caro, Piero Dorazio, Jiri Georg Dokoupil, Günther Förg, Robert Longo, Tony Oursler, Bernard Venet u.a.

Saturday, 20th October –  Friday, 21th December 2018
 
Galerie Lange+Pult
 
limmatstrasse 291
ch-8005 zürich, Switzerland

Sunday, 28th October 2018 – Sunday, 6th January 2019

Kunstmuseum Singen

Ekkehardstraße 10

78224 Singen, Germany

„Objekt. Plastik. Skulptur. 1.“ ist die erste Überblicksausstellung einer losen, grenzüberschreitenden Reihe, die das Kunstmuseum Singen der Gattung Bildhauerei rund um den Bodensee widmet. Auf zwei Etagen werden Arbeiten von 25 Künstlern gezeigt, die das Potential zeitgenössischer Bildhauerei von ca. 1990 bis heute repräsentieren – in und  aus einer Region, die noch immer sehr einseitig und zuerst als Ort der Maler wahrgenommen wird.

Eine gute Gelegenheit, die ausgewählten Positionen näher kennen zu lernen, bietet die Führung mit Museumsleiter Christoph Bauer M.A., mit dem Sie gemeinsam die Ausstellung erkunden können.

Friday, 12th October – Friday, 30th November 2018

curated by, Aldo Chaparro and Alejandro Romero

Aldo Chaparro Studio

Cozumel 81 piso 1

Mexico DF, Mexico

Gerold Miller, Monika Bravo, Aldo Chaparro, Mario García Torres, Erris Huigens, Iván Krassoievitch, Ana Montiel, Jaime Pollute, Alejandro Romero, Saúl Sanchez and Ariel Schlesinger.

Wednesday, 19th September – Saturday, 20th October 2018

Curated by, Giorgio Verzotti

Nam Project

Via Giovanni Ventura 6

20134 Milan, Italy

Nam Project is pleased to present „Openness”, a group show by artists Simon Callery, Gerold Miller and Sean Shanahan

According to the modernist tradition, the artwork is what it is, it says what it says. However it is not exhausted by this definition. The artwork just represents itself, but at the same time it states, and always points toward an elsewhere. The artwork can be dismantled, its integrity disrupted, and opened up to the phenomenal space that welcomes it. In other words, the artwork englobes the space, turning from bidimensional to a three-dimensional articulation if necessary. The space included in the artwork is the real space that the observer perceives as phenomenal data, but it is also the indication of another space, which in turn becomes the object of thought, of a mental projection.

From the text Openness by Giorgio Verzotti. 

Friday, 17th August – Wednesday, 10th October 2018

Curated by, Ryan McGiness

Harper´s Books

87 Newtown Lane, East Hampton

11937 New York, USA

Saturday, 14th April – Saturday, 7th July 2018

Galerie Walter Storms

Schellingstr. 48

80799 Munich, Germany

Gerold Miller (geb. 1961) studierte in den Achtziger Jahren an der Stuttgarter Kunstakademie im damals aktuellen Umfeld von Op Art, Hard Edge, Neo-Geo. Nach mehreren internationalen Studienaufenthalten hat er sich in Berlin niedergelassen und unterhält heute zwei große Studios und Ausstellungshallen. Er hatte Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie und dem Mies van der Rohe Haus in Berlin, und auch weltweit wird sein Werk in Galerien und Museen gezeigt und geschätzt. Seinen bisher umfangreichsten und retrospektiven Katalog publizierte 2016 die Kunsthalle Weishaupt in Ulm.

Millers Bilder sind keine Gemälde, sondern Bildtafeln mit visuellen Signalen und starker optischer Präsenz. Er greift die Erfahrungen amerikanischer Minimal Art auf und erweitert ihre Möglichkeiten mit neuer Materialität und gesteigerter Präzision. Seine Arbeiten aus Aluminium oder Edelstahl werden in einem vielschichtigen Arbeitsprozeß mehrfarbig lackiert und erzielen mit ihren kontrastierenden Farben und Formen ein subtiles Spannungsbild. Für seine aufwendigen Präsentationen kreiert Miller durch optimales Zusammenspiel der Exponate mit dem gegebenen Räumen ein stimmiges Ausstellungskonzept und zieht dabei das visuelle Erlebnis des Betrachters bewußt mit ins Kalkül.

Wednesday, 25th April – Sunday, 8th July 2018

Private Showroom

Potsdamer Str. 102

10785 Berlin, Germany

Thursday, 15th March – Saturday, 5th April 2018

C/ Piamonte, 10

28004 Madrid, Spanien

Thursday, 2nd November 2017 – Saturday, 10th February 2018

Cassina Projects New York

508 W 24th St, New York

NY 10011, USA

Cassina Projects is pleased to announce  Gerold Miller’s first Solo exhibition in the USA

Gerold Miller’s artistic practice has transformed over the course of his career but his research has always been conceptually based. The physical appearance of the work is only important in terms of how it is presented within a space and not on its aesthetic beauty. Cassina Projects presents recent works by the artist that showcase his contemporaneity and his ability to capture and expand the spatial contexts of the subjective viewer.

Here we see works from Miller’s Monoform, Set, and Verstarker series which are all based on contemporary materials and modern techniques. By replacing the usual canvas with aluminum and paint with enamel, he is removing himself from the traditional format of painting and creating minimalist series’ that incorporate sculptural, architectural and painterly elements.

Investigating space and how we navigate space is an essential theme in Miller’s work. Like an architect, two-dimensional plans are transformed into three-dimensional objects and meticulously refined under different conditions within a physical space. The space in which the work is viewed changes as we move around it due to the reflection of the Set Series’ colored enamel on the walls and the sheer size and framing of the Monoform. These surfaces function as a catalyst for the imagination to create a virtual space that often includes a reflection of ourselves.

Like a computer screen, the vividly colored surfaces of the works reflect our surroundings back at as, allowing us to experience our spatial perception in a simulated form. What we perceive to be a new physical and three-dimensional space is then absorbed by the work’s surface and flattened into a two-dimensional image.

In this digital age, it is nearly impossible to come across a work of art that does not exist within a preexisting network of interpretations but Miller uses this to his advantage. He knowingly uses illuminating colors that are primarily seen on screens and the contrast of the lustrous and matte black of our smartphones to create works that are non-restrictive to digital and physical contexts. The location in which an art object is displayed is directly related to how it is understood. When photographed and digitally presented there are no reflections and the objectivity of the work is lost. This viewer becomes convinced that this is the way the work is supposed to be seen but they are unaware of what emerges when they are in the physical presence of the work.

Friday, 20th July – Friday, 31st August 2017

Galerie Nikolaus Ruzicska

Faistauergasse 12

5020 Salzburg, Austria

In the group of works entitled SECTION, now exhibited for the first time, GEROLD MILLER expands his vocabulary with the clear, simple shape of the rectangle, up-ended on to a corner which has been cut off. Each resulting pentagon is divided into two monochrome components: black/white, red/blue and black matt/black gloss. The three large-scale works reflect the viewer as well as the surrounding space, which is dominated by free-standing sculptures called VERSTÄRKER [amplifiers]. These objects, which consist of three struts, literally amplify our spatial perception: height, width and depth illustrate vividly their three-dimensionality.

GEROLD MILLER has always used the device of repetition in his work. When he has decided on a form, he varies it – whether in his SECTION series or in the VERSTÄRKER – by modifying colour and size. Through its height of 220 cm alone, the glossy red “amplifier” draws all eyes to itself, its monochrome colouration giving it an elegant, majestic appearance. The smallest “amplifier” in our exhibition is remarkable for its bold combination of pink/red/black. The gilded, polished aluminium of further angles conveys a costly, exquisite materiality.

Apart from the fact that the production of the works entails a highly technified process in order to achieve absolute perfection and precision, the artist’s creative act is a traditional one. His study of sculpture at the Stuttgart State Academy of Art and Design is still perceptible. He draws by hand, with no technical aids, makes prototypes of his works, and tests the physical presence of his colour choice in different light situations. With SECTION and VERSTÄRKER GEROLD MILLER demonstrates once again that with his reduced canon of forms and colours he can continue to create new, outstanding compositions.

Wednesday, 6th June – Thursday, 2nd August 2017

Galerie Mehdi Chouakri

Fasanenstraße 61

10719 Berlin, Germany

Mehdi Chouakri is pleased to present two exhibitions of new works by Gerold MIller: “capteur d ́instant“ in the gallery on Fasanenplatz, and “amplificateur d ́espace“ on Mommsenstrasse, until September 2.

Whilst new sculptures from the “Verstärker“ series are on view at Mommsenstrasse, the series “section“ is presented for the first time on Fasanenplatz. These radical wall works represent the latest development in Gerold Miller’s production, to date the most far-reaching step of his defying attitude against traditional forms of painting and sculpture. The “section“ piece is surrounded by works from the series “set“ and “monoform“, that are characteristic of the artist’s thorough reflection on a reduced approach of representation, which he has been developing since the 1990s.

Through “section“, Gerold Miller broadens the classical concept of painting, merging the work with the architecture of the gallery space. It consists of a tilted truncated black and white square that immediately evokes the Russian avantgarde and Malevitch. The painting becomes a relief, a sculpture within the wall, which is turn changed into a pictorial space. The artist plays here with a subtle balance between the surface, the room, light and shadow, in order to question or way of seeing, his monochrome fields and black stripes both catching and withstanding the viewer’s gaze. Gerold Miller’s strategy is purely abstract, focusing solely on the materiality of the work and of the space itself.

“Verstärker“ is Gerold Miller’s first free-standing sculpture series, on view at Mommsenstrasse. The works are installed as a sculpture forest, in several sizes and finishes, that draws the limits of an imaginary space where the viewer is free to decide what to see. The absence of recognizable forms combined with the works’ strong shapes and material build a mesmerizing environment. By using a drastic reduction, the artist erases the borders of abstract painting and minimalist sculpture, hence moving these categories in a conceptual context.

Between 1984 and 1989, Gerold Miller studied sculpture at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart. Later on, he stayed in Chicago, New York, Paris and Sydney for study visits. He lives and works in Berlin since 1998, and he was awarded the international Bodensee-Kulturpreis in 2001. His works have been exhibited in numerous institutions worlwide, amongst them Nationalgalerie – Hamburger Bahnhof, Berlin; Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk; Kunstmuseum Stuttgart; Tel-Aviv Museum of Art; ZKM, Karlsruhe; Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires; 21er Haus, Vienna; Mumok, Vienna; Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris; Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main; Opera City Gallery, Tokio; South African National Gallery, Capetown; CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux; Kunsthalle Weishaupt, Ulm, Kunsthalle Winterthur.

Wednesday, 6th June – Tuesday, 28th August 2017

Museo d’Arte della Svizzera

Piazza Bernardino Luini 6

6900 Lugano, Switzerland

Saturday, 20th January – Sunday 4th February 2017

Curated by, Dr. Friederike Nymphius and Gerold Miller

Galeria Casado Santapau

C/ Piamonte, 10

28004 Madrid, Spain

In the late 1950s and the 1960s, abstract sculptors began to experiment with a wide array of new materials and different approaches to creating their works. Surrealist imagery, a minimalistic vocabulary, combinations of modern material and unusual surfaces became characteristic for the new modernist sculpture. Until today the subject of modernist sculpture is a central concern for many artists. The art works in the exhibition mix the formal language of modernist sculpture with a strong consciousness of the presence: modern sculpture.

Group exhibition with Alexandre Arrechea, Marc Bijl, Mike Bouchet, Madeleine Boschan, Aldo Chaparro, Sylvie Fleury, Andreas Golinski, Lothar Hempel, Gregor Hildebrandt, Tarik Kiswanson, Alicja Kwade, Mathieu Mercier, Gerold Miller, Przemek Pyszczek, Anselm Reyle, Gerwald Rockenschaub, Katja Strunz, Blair Thurman, Tatiana Trouvé, Xavier Veilhan, Claudia Wieser, Heimo Zobernig.

Monday, 10th October – Saturday, 19th November 2016

Galerie Lange+Pult

limmatstrasse 291
ch-8005 zürich, Switzerland

Wednesday, 20th January – Friday, 4th March 2016

Galería Casado Santapau

C/ Piamonte, 10

28004 Madrid, Spanien

In his first solo exhibition in Spain at Galería Casado Santapau, Gerold Miller will present new works of his series Monoform and set.

Thursday, 17th March – Sunday, 5th June 2016

Ludwig Forum

Jülicher Str. 97-109

52070 Aachen, Germany

“Brave new world“? – Visions of modernity are negotiated in the group exhibition DYSTOTAL. By dealing with the visual vocabulary of the historical avant-garde, the works collected in DYSTOTAL newly fathom the concept of the absolute or the “Gesamtkunstwerk”, from longing via empathetic upheaval to failure in stagnation. Curated by the artist group Konsortium.

Tuesday, 1st March – Sunday, 11th September 2016

Louisiana Museum of Modern Art

Gl Strandvej 13

3050 Humlebæk, Denmark

Louisiana Museum of Modern Art presents a cornucopia of international contemporary and classic works of art acquired over the past three years – more than fifty works within painting, photography, sculpture and installation.

Saturday, 16th July – Sunday, 23th October 2016

Belvedere 21er Haus

Arsenalstraße 1

1030 Wien, Austria

In the reception of twentieth-century Austrian art, post-war constructive, concrete art – a major international movement – has been “pitifully sidelined” (Dieter Ronte). Yet in Austria especially there are a wide range of starting points and connections, as kinetic art, op art, concrete, conceptual and computer art all exemplify.

Monday, 6th September – Friday, 18th October 2015

PS projectspace

Madurastraat 72

1094 GR Amsterdam, Netherlands

Galerie Nikolaus Ruzicska, Salzburg

29th March 2015 – 30th April 2015

Friday, 12th April – Saturday, 18th Mai 2013

Giacomo Guidi Arte Contemporanea

c, Via Antonio Stoppani, 15

Milan, Italy

Giacomo Guidi Arte Contemporanea is pleased to announce the opening of the new gallery space in Rome with an exhibition of the Berlin based artist concept artist Gerold Miller.

Gerold Miller will present new Monoform and set, especially ideated for the exhibition. Both groups of works represent his ongoing occupation with a radically reduced understanding of pictoriality, which he has formulated since the very beginnings of his artistic career.

The recent series of Monoform takes inspiration from Miller’s early works of the 1990s. To date they are the most wide reaching steps taken on Miller’s path to differentiate himself from the traditional format of the ‚painting‘.

The traditional understanding of the ‚picture‘ is streched to its extremity by the Monoforms. Two equally proportioned aluminum angles are mounted parallel on the wall. They describe the boundaries of an imagined picture-space: the wall becomes a painting, and its borders become the object. The discovery of the picture-space is left to the imaginative power of the viewer. Gerold Miller nominates the wall as the ‚final ground‘, over-stepping previous borders between abstract painting and minimalist sculpture to broaden the categories of the conceptual.

Gerold Miller’s sets test the limits of representation. They operate at the margins of plane and space, light and dark – or more precisely, at the margins of the visible. Large-scale black monochrome surfaces absorb the viewer’s gaze, the contrast of flat matt and lacquer gloss, grey and silver gives rise to illusionistic new spaces behind the picture surface. Overlapping areas of color draw the viewer out into new simulated spaces, which interplay and feedback to the surface.

Some more recent sets bridge to the Monoforms. Their white surface melts with the wall while the green marks/angles on the borders of the sets insinuate the possibility of opening or limiting the space of the picture. These works are iconic for Gerold Miller’s conceptual understanding of the picture as something infinite that needs limits only to make it „tangible“.

A rainbow of contemporary art at the fourth edition of the Bocconi Art Gallery, on 27 May. From Steven Scott and Jonathan Monk’s neon colors, to Ettore Spalletti’s colors on boards and Gerold Miller’s colors on plated metal; from Giorgio Rastelli’s wooden gymnasts, to the conceptual art of Lucio Fontana, Piero Manzoni, Dadamaino and Grazia Varisco, in addition to Zhang Huan and Peter Wüthrich’s photographs and Chiara Dynys’s lenticulars. And Elio Marchegiani’s black and white Grande Scacchiera, as well as dark brown steel in works by Giuseppe Spagnulo and Mauro Staccioli. These are just a few of the works of art in the fourth edition of BAG, the Bocconi Art Gallery, which will be inaugurated on Tuesday 27 May. More than 100 installations, sculptures, photographs and paintings will be exhibited on the Bocconi campus: from the historical headquarters on Via Sarfatti to the building on Via Roentgen designed by the Irish firm Grafton.

Mies van der Rohe Haus, Berlin

As part of this year’s theme “Inside and Opposite” Mies van der Rohe Haus exhibits the work of the internationally established, Berlin-based artist Gerold Miller, who was born in 1961. The exhibition can be seen from the 8th of June to the 14th of September in the listed house on the Obersee, which Mies van der Rohe designed for the printing company owner Karl Lemke in 1932.

8th June 2014 – 14th September 2014

For the tenth edition of Gallery Weekend Berlin, Mehdi Chouakri opens on May 2, 2014 a solo exhibition by the Berlin based artist Gerold Miller, titled Monoform.

Monoform is a new series of works which take inspiration from Miller’s early works of the 1990s, and are to date the most wide reaching steps taken on Miller’s path to differentiate himself from the traditional format of the ‚painting‘.

The Monoform works stretch the traditional understanding of the ‚picture‘ to its extremity. Mounted parallel on the wall, the two equally proportioned aluminum angles describe the boundaries of an imagined picture-space: the wall becomes a painting, and its borders become the object.The discovery of the picture-space is left to the imaginative power of the viewer. Gerold Miller nominates the wall as the ‚final ground‘, over-stepping previous borders between abstract painting and minimalist sculpture to broaden the categories of the conceptual.

The second group of works shown belong to Miller’s set. series, in which he tests the limits of representation.These works operate at the margins of plane and space, light and dark – or more precisely, at the margins of the visible. Large-scale black monochrome surfaces absorb the viewer’s gaze, the contrast of flat matt and lacquer gloss giving rise to illusionistic new spaces behind the picture surface. Overlapping areas of color draw the viewer out into new simulated spaces, which interplay and feedback to the surface.

Monoform and set. both represent Gerold Miller’s ongoing occupation with a radically reduced understanding of pictoriality, which he has formulated throughout his artistic career. Specifically this engages with a process of systematic reduction of the creative medium to give rise to an ascertainable picture form.

The exhibition Monoform will be accompanied by a full-color catalogue.